Whitney Biennial curatorer Meg Onli och Chrissie Iles.Foto av Bryan Derballa

stjärntecken för 20 augusti

Årets Whitney-biennal är kontroversiell, men ärligt talat börjar jag bli lite trött på att skriva de orden vartannat år. De Whitney-biennalen 2024, ännu bättre än den verkliga, erbjuder många heta tagningar och lika många coola estetik, plus en film där Danny Huston spelar Albert C. Barnes. Så, vad är det egentligen folk klagar på?

Biennalen, som pågår till och med den 11 augusti, kurerades av Chrissie Iles och Meg Onli, och Startracker träffade Onli nyligen för att ställa några frågor om hur det hela hängde ihop.

Hur tycker du att din Whitney Biennal skiljer sig från andra och, för den enklaste jämförelsens skull, från den senaste 2022?

Jag ser varje Whitney-biennal som formad av det eller de kulturella och politiska landskapen i det ögonblick då showen organiseras. Det här är ett ganska litet fönster på cirka elva månader när föreställningen samlas, och biennalen är organiserad på ett sätt som inte liknar många utställningar. För en enkel och snabb jämförelse ser jag 2022 Quiet as It's Kept formas av den oförutsedda förekomsten av covid-19-pandemin samtidigt som man talar till konversationer inom samtidskonst kring abstraktion.

För oss var vi väldigt intresserade av vad som kommer efter en händelse som en pandemi och vi vände oss till konstnärer som upprepade gånger förmedlade sitt intresse för att återvända till idéer om precarity inom den byggda och naturliga miljön samt ett intresse för kroppen. Från en formell plats skapade Whitney Biennalen 2022 verkligen en känsla av abstraktion genom sin installation. För oss ville vi installera en utställning som hade stora rum som kunde rymma installationer samtidigt som konstnärer försattes i direkt dialog med varandra.

Ge mig en uppfattning om hur du valde dina artister. Hur många studiobesök gjorde du? Vad är det längsta du rest? Var det kul?

Vi började arbeta på biennalen med Chrissie som träffade mig i Los Angeles. Det var i september och LA hade en värmebölja. Ungefär hälften av artisterna fick boka om besök eftersom det var så varmt. Det var en penselbrand i kullarna på La Tuna Canyon Road, som inte var särskilt långt från ett par studior vi skulle till. Det var en ganska dramatisk bakgrund och satte en del av tonen för showen, men jag tror också att när vi var i Los Angeles pratade vi tidigt med några av artisterna som hjälpte oss att forma några idéer om showen, särskilt idéerna om materialagentur, en förnyat intresse för psykoanalys och världens instabilitet.

Det slutade med att vi spenderade mycket av den resan inomhus och bara brainstormade en omfattande lista över artister som vi ville träffa. Den här listan skulle i slutändan vägleda oss genom många av våra första besök. Till slut gjorde vi cirka 200 studiobesök och reste så långt som till Venedig för att delta i Loophole of Retreat. Det som var viktigast för oss var att umgås med artister. Vi hade i snitt cirka 3 timmar per studiobesök och några av våra längsta besök varade i tolv timmar. Både Chrissie och jag tycker om att prata med artister, och dessa ledde oss till många av våra första tankar om showen.

Pressmeddelandet säger att showen representerar utvecklande föreställningar om amerikansk konst. Hur definierade du att amerikaner gick in i denna process?

Detta är en fråga som Whitney ständigt brottas med. I museet diskuterar vi ofta arbete utifrån tid som spenderats i staterna, till exempel att ha bott i USA eller gått i skolan här som bara två. Jag tror att vi ofta utmanar oss själva att ifrågasätta begreppen gränser, gränser och territorier. Detta har påverkats av samtal med inhemska curatorer, konstnärer och forskare. Inom filmprogrammet har vi även artister som inte bara brottas med dessa idéer utan också tänker på själva Amerika som ett ämne och ett inflytande utanför dess geografiska läge.

Installationsvy av 'Even Better than the Real Thing' på Whitney Museum of American Art; Charisse Pearlina Weston, 'un- (anterior ellips{s} as mangled container; or where cans meets to wedge and {un}moor),' 2024.Foto av Nora Gomez-Strauss

I år presenteras bara fyrtiofyra artister och kollektiv, en relativt mindre Whitney-biennal. Varför valde du att begränsa det?

Hela utställningen visar sjuttioen konstnärer och kollektiv, vilket återspeglar ett robust film- och performanceprogram sammanställt i samarbete med externa curatorer. Däremot har gallerierna själva fyrtiofyra konstnärer.

Tidigt in i arbetet med biennalen hade vi diskuterat att ge konstnärer mer utrymme i gallerierna. Vi var intresserade av att presentera stora installationer och ville att varje konstnär skulle ha ett generöst utrymme som placerade dem i dialog med konstnärerna installerade runt dem samtidigt som de skapade uppslukande miljöer. Under våra ateljébesök märkte vi att många av de konstnärer vi träffade också producerade verk i stor skala. Till exempel, under ett tidigt möte med Mary Kelly, nämnde hon att hennes arbete skulle vara nära trettio fot långt.

Att ha färre artister gav också mer resurser till varje artist. För första gången fick artister 2 000 dollar i hederspris. Vi kunde stödja fler nya verk som skapats för showen, och med ett mindre belopp i gallerierna tilldelade det också mer tid som vi kunde spendera med varje konstnär.

29 mars stjärntecken

Väggtexten vid inlägget säger att din titel Even Better Than the Real Thing hänvisar delvis till framväxten av artificiell intelligens. I stora drag, vilken roll spelar teknik i yrkeslivet för de artister du valt ut?

Inom denna biennal var vi intresserade av frågor om det verkliga eftersom det relaterade till tre stora förändringar under det senaste året: spridningen av artificiell intelligens som har förändrat vad vi förstår som sanning och historia; och de historiska förändringarna i vår kroppsautonomi, som ses i störtandet av Roe v. Wade och transfobisk lagstiftning som har begränsat könsbejakande vård. När man överväger artisterna i denna show, skulle de flesta av dem inte ha ansetts vara verkliga och istället undermänskliga inom Amerikas historia. Den föreställningen består fram till denna dag.

SE ÄVEN: Miriam Simun om teknik i konst och vetenskap som medium

När det gäller tekniken i showen finns det verk som direkt berör A.I., som Holly Herndon och Mat Dryhursts xharymutantx , som använder A.I. bilder för att ändra bilderna av Herndon och hur hon avbildas online. Andra konstnärer utforskar teknik genom process, material, metafor eller på mer subtila sätt, såsom A.I.-assisterade teknologier som finns i verk av Nikita Gale, Jes Fan, Clarissa Tossen, Kite, Chanel Tyson och Ho Tzu Nyen.

Konstvärlden fick en massiv infusion av politik under 2017. Vad är dina tankar om deras fortsatta närvaro i konsten, och vad hade du för attityder om politik när du kurerade den här showen?

Konstvärlden har alltid varit fylld av politik. Jag tror att ordet politik ofta kan signalera en föreställning om progressiv politik när konstvärlden i själva verket är sammansatt av konkurrerande politik. Jag ser 2017 och sommaren 2020 som en del av ett kontinuum. Det har funnits en lång historia av konstnärer och konstarbetare som förespråkat att museer och gallerier ska spegla den mångfaldiga värld vi lever i. Susan E. Cahans underbara bok, Monterande frustration: Konstmuseet i svartmaktens tidsålder , undersöker förändringar i museer under 60- och 70-talen.

Något som drev vårt curaterande var att tänka på vad konstnärer med marginaliserade identiteter förväntas skapa. Vi märkte så många artister som brottas med identitetens komplexitet och ett verkligt intresse av att ifrågasätta vad det innebär att bli sedd och tolkad av personer utanför ens gemenskap. Den här utställningen har verk som behandlar många komplexa frågor inklusive folkmord, klimatkatastrofer, äganderätt, markstöld och aborttillgång för att nämna några. Många av konstnärerna hanterar dessa på mer abstrakta formella sätt än något bombastiskt eller representativt.

Vad hoppas du att besökarna kommer iväg med från showen?

Jag hoppas att tittarna kommer bort från programmet med ett förnyat intresse för närbild. Denna utställning talar om komplexiteten i jaget och världen omkring oss. Det är ingen utställning som går snabbt att läsa. Många av konstnärerna har formella förhållningssätt som kan komplicera kroppens idéer och tala till ett mångdimensionellt och föränderligt jag. Jag skulle älska att publiken skulle gå därifrån och tänka på hur identitet kan vara komplicerad.